Películas de la década de los 60.

Dedicado a unos grandes Cinéfilos, Alberto y Nino. 

(Gracias por la lista de algunas que hay en esta década, y otras que ya iré incorporando.)

Las mejores películas clásicas siguen sorprendiéndonos y maravillándonos. Cada amante del cine tiene sus gustos y preferencias: algunos se decantarán más por los clásicos de Hollywood, otros por los títulos europeos.

Sin embargo, hay unos básicos de películas clásicas imprescindibles. Llamémoslo el fondo de armario de todo cinéfilo. 

Se trata de las películas que marcaron para siempre la historia del cine y sin las cuales no podría entenderse cómo se construyeron los cimientos del séptimo arte.

Espartaco-(Stanley Kubrick-1960).

Kirk Douglas es el líder de la revolución esclava contra el Imperio Romano, Espartaco, en este mítico peplum dirigido por Stanley Kubrick, con guion de Dalton Trumbo, y merecedor de cuatro Oscar.

Fue el gran impulso que tuvo Stanley Kubrick para convertirse en un director reconocido, a pesar de que es su película menos personal ya que no solo se incorporó al rodaje ya comenzada sino que las intervenciones de muchos miembros del equipo la hacen casi un film coral. 

Al final de la escapada -(Jean-Luc Godard-1960).

En su fundamental Análisis del film, los teóricos franceses Jacques Aumont y Michel Marie se valen de Al final de la escapada, para ejemplificar de manera didáctica la función e importancia de la intertextualidad en las películas como arte.

Dos mujeres -(Vittorio De Sica-1960).

Vittorio De Sica lleva al cine la novela de Alberto Moravia sobre las "marochinate", violaciones masivas a las mujeres de Ciociara por parte de las tropas coloniales marroquíes.

El apartamento- (Billy Wilder-1960).

La genial comedia para adultos de Billy Wilder (cinco premios Óscar en 1960, incluido el de mejor película) 

 Es la cima de dos de las más grandes pareja artísticas de la historia del cine, la que formaron Jack Lemmon y Shirley MacLaine y el veterano escritor I.A.L. Diamond con Billy Wilder, quienes ya habían colaborado en "Con Faldas y a Lo Loco".

 Una mordaz y satírica comedia sobre la soledad y la ambición profesional.

El fotógrafo del pánico -(Michael Powell-1960).

Expresionismo en los 60, Michael Powell reflexiona sobre el cine como última consecuencia del voyeurismo, hablando de la cámara como vampiro, adelantándose varios años a Zulueta y su 'Arrebato'. 

En el mismo año que Hitchcock estrenaba con éxito 'Psicosis' el director de 'Las zapatillas rojas' tiraba por la borda su carrera con una película apasionada y excesiva, totalmente alejada de cualquier naturalismo o realismo.

Todos a casa -(Luigi Comencini-1960).

Una de las mejores películas hechas en Italia que mezclan comedia y drama, sin duda. A

demás, tiene la singularidad de enmarcar la historia en un momento concreto de la Italia contemporánea muy especial, el período extraño de levantar las manos y rendirse a los aliados en la Segunda Guerra Mundial mientras estás ocupado a la práctica por los alemanes.

Los ojos sin rostro -(Georges Franju-1960).

Obsesiones, máscaras y cicatrices se mezclan en esta película de horror que pasó desapercibida en su momento pero que tuvo una fuerte influencia posterior en muchos cineastas, convirtiéndose en película de culto, con nuestro Jess Franco haciendo diferentes versiones sobre el tema y Pedro Almodóvar reconociendo que fue la inspiración principal para 'La Piel que Habito'. 

La escena con el bisturí es tan impactante como la que abre 'Un perro andaluz', con Buñuel cortando por lo sano un ojo.

La Dolce Vita-(Federico Fellini-1960).

Fellini transmite en "La dolce vita" un hastío terrible y un cansancio existencial de un hombre (Marcelo) que escribe sobre la aristocracia romana en el verano del 59'. A través de un Marcelo Mastroiani cansado de sí mismo y de todo lo que le rodea, Fellini nos muestra a una clase alta en completa decadencia.

La evasión-(Jacques Becker-1960).

Auténtica obra maestra firmada por Jacques Becker, quien con su última película como director influenciaba todo el cine de prisiones venidero hasta el día de hoy. 

Psicosis-(Alfred Hitchcock-1960).

Un clásico de influencia incalculable.

 A diferencia de otras cintas conocidas por ser las primeras en hacer algo, “Psicosis” todavía sigue generando suspenso; todavía sigue generando miedo. 

Su genialidad, entre otras cosas, radica en su simpleza. Las motivaciones del asesino central son psicológicamente complejas pero para nada enredadas, y la manera en que se llevan a cabo las escenas, primero desde la perspectiva de Marion Crane (Janet Leigh), y luego desde la de Norman Bates (Anthony Perkins), es elegantemente sencilla. 

“Psicosis” funciona por como logra atrapar al espectador, subvirtiendo sus expectativas constantemente, y metiéndolo en este mundo de paranoia y suspenso.

Desayuno con diamantes-(Blake Edwards-1961).

La película se ha convertido en un icono del cine y obtuvo un enorme éxito ya desde su estreno, propiciado sin duda por la maravillosa banda sonora del excelso Henry Mancini.

El lujo de este clásico del genio de la comedia.

 Considerada como la mejor interpretación de Audrey Hepburn se barajó en primer lugar a Marilyn Monroe por expreso deseo del escritor, también Kim Novak se ofreció para el papel aunque su oferta fue rechazada.

El buscavidas -(Robert Rossen-1961).

Bienvenidos a la partida de billar más legendaria de la historia.

 Una obra maestra nominada a 9 Óscars que se disfruta entre los vasos de whiskey y el humo de tabaco de Paul Newman, en uno de sus papeles más recordados.

Esplendor en la hierba -(Elia Kazan-1961).

 Un drama con gran carga narrativa, y te hace pensar con cierta melancolía cuántas cosas han evolucionado para bien desde los años en que está ambientada esta película: la educación, la familia, las relaciones personales e íntimas, y tantas otras cosas.

 La pareja protagonista transmite una química amorosa como pocas, en especial Natalie Wood, que en mi opinión hace una de sus mejores interpretaciones en la gran pantalla, sin duda favorecida por esa expresión angelical que la introduce en un papel tan rico en matices. No se queda atrás un joven Warren Beatty, que con su corrección y moralismo inculcado desde niño por la figura paterna, borda un papel difícil y primerizo en su carrera. 

La noche -(Michelangelo Antonioni-1961).

Es la segunda película de la llamada “trilogía de la incomunicación” del director italiano, iniciada un año antes con La aventura y culminada un año después con El eclipse.

 El filme, influido por el simbolismo bergmaniano, se alzó con el Oso de Oro en el Festival de Berlín. Antonioni, por entonces en la cima de su prestigio internacional, reflexionaba acerca de algunos de los temas habituales de su irregular filmografía: la incomunicación en las relaciones de pareja, el hastío vital, la soledad, el desamor o el aburrimiento burgués.

Los cañones de Navarone -(J. Lee Thompson-1961).

Clásico incontestable del cine bélico y de aventuras con un Gregory Peck en plena efervescencia pop que obtuvo el Oscar por sus espectaculares efectos especiales.

Plácido -(Luis García Berlanga-1961)

La obra maestra de Berlanga, en la que fijó su incisiva mirada en un putrefacto universo provinciano. 

La perfección con que se mueven los hilos de su estructura coral y el feroz pero lúcido discurso que encierra lo convierten en un título irrepetible dentro de la historia del cine español. Pocas veces se ha combinado con tanto talento la acidez con la frescura.

Vencedores o vencidos "El juicio de Nuremberg"-(Stanley Kramer-1961).

Stanley Kramer dirigiría a un excepcional reparto en el que figuran
Spencer Tracy, Burt Lancaster, Marlene Dietrich, Judy Garland y Montgomery Clift para entregar una de las mejores películas sobre la Segunda Guerra Mundial porque '¿Vencedores o vencidos?' no es tan solo una película judicial, es una profunda, objetiva y muy necesaria obra que propone una exhaustiva mirada a los juicios de Nuremberg desde múltiples puntos de vista.

Rey de reyes -(Nicholas Ray-1961).

Película solemne, técnicamente asombrosa, emocionalmente apasionada y estéticamente creativa. Nicholas Ray dirige con una sabiduría inclasificable una obra que es un lienzo de pinturas frías y rojos brillantes, figuras tenebrosas, sedas rasgadas, romanos imponentes y monarcas en lujosa decadencia. 

Historia y Religión unidos en una trama que no sigue el patrón que se presupone para contar la vida de Jesús, sino que aporta una visión personal y mucho más amplia de los acontecimientos, desarrollando las luchas políticas, el nacionalismo judío y el punto de vista de la Roma imperial. 

Atención, por ejemplo, a los primeros minutos de metraje, que sirven como presentación del contexto histórico de la película y donde Ray demuestra que la muerte puede rodarse desde muy distintas perspectivas.

Vidas rebeldes -(John Huston-1961).

 Un viaje de perdedores a Reno que su autor consideraba un western crepuscular cuyo rodaje estuvo plagado de roces y tensiones, y que resultó ser el último trabajo de Marilyn dando paso a la leyenda y también el de Gable que moriría un par de semanas después del rodaje.

Yojimbo -(Akira Kurosawa-1961).

Considerada como una de las mejores películas en la extensa filmografía del maestro Akira Kurosawa.

Viridiana -(Luis Buñuel-1961).

La obra cumbre del cine español de todos los tiempos se erige, aún a día de hoy, como un monumento único de fuerza inigualable.

 La extraordinaria sutileza del guión, las deslumbrantes actuaciones de unos intérpretes en pleno estado de gracia o el número incontable de símbolos, escenas y matices que sugieren todo tipo de lecturas

West Side Story (Amor sin barreras) -(Robert Wise y Jerome Robbins-1961).

Generalmente se dice que “West Side Story” son dos películas.

 Una, la dirigida por el coreógrafo J. Robbins (toda la parte musical); y otra, la dirigida por R. Wisse (todo el nudo argumental que adapta la historia de Romeo y Julieta).

El hombre de Alcatraz-(John Frankenheimer-1962).

Un irresistible clásico que cuenta con un reparto lleno de estrellas como Burt Lancaster, nominado al Oscar al Mejor Actor por su magistral interpretación como Stroud, el convicto que encontró en los pájaros su propia salvación.

Atraco a las tres -(José María Forqué-1962).

Una película hilarante en la se reúne el grupo de atracadores más adorables y perdedores a este lado de 'Rufufú', nada más y nada menos que José Luis López Vázquez, Cassen, Gracita Morales, Manuel Alexandre o Alfredo Landa soñando con escapar de las muchas miserias de la España de la época. 

López Vázquez es el protagonista absoluto con su inolvidable Galindo, inmortal autor de una frase para el recuerdo: "Un admirador, un amigo, un esclavo, un siervo".

El ángel exterminador -(Luis Buñuel-1962).

 Uno de los grandes clásicos en blanco y negro, una ácida crítica social, una obra maestra de Luis Buñuel.

Lolita -(Stanley Kubrick-1962).

La obra escrita por Nabokov, posteriormente filmada por Stanley Kubrick, muestra la obsesivo deseo sexual de un depredador por una niña. 

A pesar de ello, la censura actuó con la rotundidad con que normalmente se atajan los tabúes. La historia de Lolita es, aún hoy, la de una obra marcada por los obstáculos de la moral.

El hombre que mató a Liberty Valance -(John Ford-1962).

El western fue uno de los géneros predominantes, sino el que más, durante buena parte del siglo pasado. Un género que parecía muy particular en sus orígenes.

Con el fuerte reclamo del reparto, sobre todo contando con que Ford quiso destacar a Wayne en las promociones, a pesar de que Stewart era el mayor protagonista y el actor mejor pagado, se puede decir que la cosa resultó más que rentable.

Hoy en día, El hombre que mató a Liberty Valance sigue estando considerada como una de las mejores películas del género western jamás filmadas. Sobre todo, en lo que se refiere a ese western clásico del que, como hemos dicho, se va separando a favor de un western más crepuscular, como el que se fue imponiendo en los siguientes años.

Lawrence de Arabia -(David Lean-1962).

 La épica de su historia y retrato de un momento histórico, que tiene momentos alucinantes y una de las mejores transiciones del cine (sí, de la pluma al amanecer).

¿Qué fue de Baby Jane? -(Robert Aldrich-1962).

Las carreras cinematográficas de Bette Davis y Joan Crawford fueron muy similares.

Y la  presencia en la gran pantalla de mujeres de armas a tomar lo que las llevaron a ganarse la simpatía tanto por parte de la crítica como del público. De sobra es conocido que entre ambas actrices hubo una dura rivalidad tanto personal como profesional hasta el extremo de que no podían ni verse ni en pintura

La escapada -(Dino Risi-1962).

Magnífica parábola social presentada en formato de comedia agridulce, contraponiendo dos personalidades muy diferentes, "La escapada" muestra el conflicto interno de valores existenciales debido al choque de actitudes significando con su final la estimación de la mesura en el comportamiento tras un muy entretenido y divertido desarrollo resaltado por la química extraída de las interpretaciones 

Cleopatra -(Joseph L. Mankiewicz-1963).

Recibió una respuesta generalmente favorable de los críticos de cine, y se convirtió en la película más taquillera de 1963 , con ingresos de taquilla de 57,7 millones de dólares en los Estados Unidos. Unidos y Canadá, y una de las películas más taquilleras de la década a nivel mundial. Sin embargo, la película inicialmente perdió dinero debido a sus costos de producción y comercialización de 44 millones de dólares.

Recibió nueve nominaciones en la 36ª edición de los Premios de la Academia , incluida la de Mejor Película , y ganó cuatro: Mejor Dirección de Arte (Color) , Mejor Fotografía (Color) , Mejores Efectos Visuales y Mejor Diseño de Vestuario (Color) 

El infierno del odio -(Akira Kurosawa-1963).

 Sus problemas morales son fascinantes y se infiltran en un thriller policial que pone un secuestro en el centro, pero temas como la dignidad y las clases sociales como temas universales de su narrativa.

Fellini, 8 y medio -(Federico Fellini-1963).

La obra que inmortalizó a Fellini. El más certero intento de capturar el etéreo dilema de la inspiración fílmica. La figura del autor, cineasta, guionista y mente, como jamás antes se retrató.

El verdugo -(Luis García Berlanga-1963).

 Es cómica, pero amarga; dulce, pero envenenada; encantadora, pero cruel. Va de amor, y de muerte; de libertad y de dictadura. 

 Sin embargo, ya dice todo lo que podríamos expresar en palabras de una de las obras maestras de Luis García Berlanga.

La gran evasión -(John Sturges-1963).

Una película de las que se hacían antes. Muy entretenida y con un elenco de actores estelar. A destacar a Steve McQueen y una pelota de béisbol.

Matar a un ruiseñor -(Robert Mulligan-1963).

No podía faltar en este ranking 'Matar a un ruiseñor', el pedagógico filme de Robert Mulligan que adapta la novela de Harper Lee, ganadora del Premio Pulitzer. 

Gregory Peck pasaría a la historia como el noble e íntegro Atticus Finch (elegido el héroe más grande de ficción por el American Film Institute), que se encargará de defender a un hombre negro falsamente acusado de violar a una mujer blanca. Una película llena de matices que se presenta como un firme alegato contra el racismo.

Los camaradas -(Mario Monicelli-1963).

No sólo por reflejar el nacimiento del movimiento obrero en Italia, sino por ser una película aún de actualidad, "Los camaradas" puede trasladar su mensaje sobre la pobreza, la explotación en el trabajo, la incorporación de la mujer en el mercado laboral y las relaciones entre los empresarios y sus obreros hasta el día de hoy. 

Seca a veces, áspera, ruda y triste en muchos momentos es una película tan bien interpretada por todos sus protagonistas como firmemente dirigida.

El gatopardo -(Luchino Visconti-1963).

 Fue concebida para ver más allá de la aristocracia y de sus vestidos de época, las princesas radiantes, los príncipes apuestos, los fastuosos palacios; también para ir más allá de la política o de la lucha social. 

Quien sea capaz de ver que sobre todos los personajes y escenarios de ''El Gatopardo'' se extiende una capa de polvo, estará cerca de entender el auténtico sentido del film: un mensaje tan sencillo (algunos lo tacharán de demasiado sencillo) como la decadencia, el paso del tiempo, la inevitable continuidad que subyace bajo los aparentes cambios...

Los pájaros -(Alfred Hitchcock-1963).

El mago del suspense

¿Y qué hace a 'Los pájaros' una obra maestra? Pues que, como decía, es el culmen de ese cine puro de Hitchcock, ese en el que la imagen lo es todo, la que te cuenta la historia mejor que las palabras, no hay que olvidar que Hitch es un veterano del cine mudo y uno de los pocos directores cuyas películas podrían ser entendidas sin una línea de diálogo.

Eso sí, el rodaje fue doloroso y parece ser que Hitch se comenzó a obsesionar malamente con Hedren y esta le rechazó. El director reaccionó haciendo que el rodaje fuera una tortura para su actriz protagonista, que se llegó a cortar de verdad durante la escena de la cabina

El extraño viaje -(Fernando Fernán Gómez-1964).

Si esta película la hubiese firmado Alfred Hitchcock o Luis Buñuel (pues su desarrollo de auténtico suspense, intriga, nerviosismo, interés y humor negro es de una calidad de primer orden), estaría en boca de todo el mundo desde hace más de cuarenta años; pero la dirigió un genial intelectual Fernando Fernán Gómez de brotes interpersonales bastante antipáticos, lo cual sin duda no le ha ayudado mucho a la hora de ser considerado con tantos honores como otros directores que incluso habiendo alcanzado fama mundial.

Tormento -(Mikio Naruse-1964).

Mikio Naruse dirige este extraordinario drama familiar que analiza las consecuencias de la guerra. 

My fair lady-(George Cukor-1964).

Magistral adaptación musical del "Pigmalión" de George Bernard Shaw, que había sido estrenada en Broadway y en el West End londinense, interpretada por Rex Harrison y Julie Andrews, convirtiéndose en un éxito inmediato que llegó a alcanzar las 2717 representaciones desde 1956 hasta 1968.

Hamlet -(Grigori Kozintsev-1964).

El crítico Robin Wood citó recientemente esta impresionante versión rusa de 1964 de la tragedia de Shakespeare como la única que "podría reivindicarse por tener la estatura, como película, que la obra tiene como teatro"

Dr Strangelove-(Stanley Kubrick-1964).

Singular ejercicio cómico el realizado por el gran Stanley Kubrick, que en esta oportunidad nos presenta una cinta repleta de sátira y humorismo hacia las autoridades militares yanquis, una parodia que ridiculiza a los altos mandos yanquis en medio de una situación que está a punto de generar el holocausto nuclear, la tercera guerra mundial y la batalla de armas químicas.

Zorba, el griego -(Michael Cacoyannis-1964).

Basado en una persona real, el gran escritor Kazantzakis (La Última Tentación de Cristo) crea aquí un personaje arquetípico, alcanzando reconocimiento mundial. 

El mejor Antony Quinn de todos los tiempos ofrece una actuación magistral y se convierte en Zorba, de una forma que te hace creer que nació allí. El resto del reparto está cuidadosamente seleccionado,logra su mejor película, manteniendo el espíritu del libro y el equilibrio al dirigir a todos estos actores con un estilo tan diferente.

Barbarroja -(Akira Kurosawa-1965).

Akahige pertenece a ese selecto grupo de películas insuperables en las que el talento de Kurosawa, todas sus virtudes y señas de identidad afloraban a plenitud logrando la obra de arte.

Campanadas a medianoche -(Orson Welles-1965).

La película muestra la maestría y audacia de Welles, la forma en que logra juntar varias obras de Shakespeare y filmarlas en España con severas restricciones presupuestarias, pero el resultado es soberbio y fascinante, y con una actuación de Welles que también captura al hombre mismo.

Doctor Zhivago -(David Lean-1965).

Hay pocos directores que consigan crear un envoltorio técnico tan perfecto, a la vez que introducir una historia de amor tan bonita, paradigma de belleza fílmica pero que sin embargo es utilizado para fines políticos como hace David Lean en su “Doctor Zhivago”. 

Porque el error es considerar esta película una mera historia de amor sino que esencialmente se trata de un manifiesto ideológico

La muerte tenía un precio -(Sergio Leone-1965).

Sergio Leone es uno de los más grandes nombres propios de la historia del cine. 

 da igual lo que cuente, porque lo que importa es cómo lo cuenta, con qué originalidad, con qué derroche de innovación visual y sonora. “La muerte tenía un precio”, segunda película de la conocida como Trilogía del Dólar (realizada entre “Por un puñado de dólares” y “El bueno, el feo y el malo”) permite saborear el inconfundible estilo del maestro italiano.

La tienda en la calle mayor -(Ján Kadár y Elmar Klos-1965).

El film que sorprendió en plena Guerra Fría, pero condenó al ostracismo a sus realizadores.

Una obra magistral en su caracterización de las diversas personalidades y tipos sociales de una comunidad bajo presión totalitaria. 

Sonrisas y lágrimas -(Robert Wise-1965).

El musical de la pantalla de Rodgers & Hammerstein se llevó el premio a la mejor película y cuatro premios Óscar más en su carrera para convertirse en uno de los musicales más adorados de Estados Unidos.

Andrei Rublev -(Andrei Tarkovsky-1966).

Film soviético que nos muestra la vida del pintor iconoclasta Andrei Rublev, figura poco conocida en occidente y me animaría a decir que también en oriente.

Considerada una joya del cine ruso se ven buenas actuaciones, pero la atención del espectador, al menos del detallista, radica en la excelente dirección por parte de Tarkovsky que seguramente muestra en esta obra todo su talento. 

El bueno, el feo y el malo -(Sergio Leone-1966).

Dirigido por Sergio Leone seguía las huellas de 'Por un puñado de dólares' y 'La muerte tenía un precio', aunque evidenciaba un superior empaque formal.

Tercera y última película de la "trilogía de oro" de Leone, Morricone y Eastwood. Rodada en Almería

Quiero Homenajear a mi padre con esta banda sonora, que era muy aficionado a ponerla en su tocadiscos de aquella época y su afición al género del oeste...pero de los que tenían claro, que los indios no siempre eran los "malos" cómo querían hacernos ver la mayoría de películas de este género.

Efectos especiales de la banda sonora "El bueno, el feo y el malo"

La caza -(Carlos Saura-1966).

Oso de Plata. No fue de oro porque los contactos de Polanski le permitieron imponerse a Saura y a Satyajit Ray. 

Rodada por Carlos Saura en unos momentos en que la dictadura franquista se hallaba en medio de una incipiente apertura al exterior que coincidió con la llegada de la década de los sesenta, es lo que tradicionalmente ha dado en llamar la crítica una película "de personajes", es decir, un filme que se estructura en base a la tensión dramática entre dos o más personajes y que depende básicamente del diálogo para expresar dicha tensión. 

La jauría humana -(Arthur Penn-1966).

Es evidente que en los años 60, Hollywood quiso ponerse al día y olvidarse de casi todo aquello de lo que siempre había alardeado, la América feliz, educada, decente y sin problemas graves.

Excelente ejemplo de como realizar una cinta que perdure, ante la atronadora realidad, porque así son las cosas, "La jauría humana" no se encarga más que de destapar otra de las salvajes y más oscuras facetas del ser humano, y lo hace de modo formidable, explotando al máximo las capacidades de un guión interesantísimo y, como no, un portentoso elenco.

Persona -(Ingmar Bergman-1966).

Escrita, dirigida y producida por Bergman, Persona es considerada una de las mejores películas en la historia del cine.

Destaca por ser una película audaz formal y temáticamente, al punto de convertirse en uno de los filmes más influyentes del director (que de por sí ya es bastante influyente), quien incorpora elementos de las corrientes vanguardistas Nueva ola francesa y el cinema libre de Inglaterra.

Entre sus logros, además del reconocimiento de los académicos y los medios especializados, están varios premios de prestigiosos festivales de cine, entre los que se incluyen mejor actriz, mejor película, mejor director y mejor película extranjera otorgados por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine

Doce del patíbulo -(Robert Aldrich-1967).

Esta es una película de acción espectacular con un elenco increíble que la sitúa por encima de todas las demás de su tipo.

 Lee Marvin mantiene su carácter rudo y duro como una roca. Y Aldrich crea una película bélica cautivadora e intensa que también es un drama humano.

El libro de la selva-(Wolfgang Reitherman-1967).

Walt Disney, a propósito, no quería seguir el libro. Por lo que, cuando el encargado de la banda sonora de la película estaba creando canciones lúgubres (siguiendo la esencia de El Libro de la Selva), Walt lo despidió, pues él quería darle más vidilla a la película.

 ¿Recordáis a los buitres que salen cantando? Pues Walt Disney, en un principio, había decidido que la canción de estos pájaros tan simpáticos fuera cantada por los Beatles. Pero, Jonh Lenon, aunque cuando se lo propusieron estaba de acuerdo, después se negó.

Faraón -(Jerzy Kawalerowicz-1967).

Obra cumbre del cine polaco "Faraón" es uno de los más grandes esfuerzos llevados a cabo por la cinematografía europea para dotar al cine histórico de verosimilitud. 

Gracias a una puesta en escena impecable, a una estudiadísima ambientación, a unos medios amplios (hasta el ejercito ruso participó en el rodaje proporcionando miles de extras) y a un rigor apabullante esta obra es hoy en día uno de los mejores y más complejos ejemplos de cine histórico que pueden ver lejos de la edulcoración o el glamour característico del cine americano

La leyenda del indomable -(Stuart Rosenberg-1967).

Paul Newman se exhibe, derrochando carisma, en una película con un gran guion que reflejaba el signo de los tiempos. 

En un momento en el que la Guerra de Vietnam comenzaba a copar titulares y la contracultura comenzaba a salir del 'underground', el guión de la película era una oda a rebelarse contra un sistema injusto. 

Luke Jackson es un rebelde sin causa, alguien al que pueden encarcelar pero al que no pueden privar de su espíritu libre. Durante la película se hacen varias comparaciones entre él y Jesús, haciendo del gran George Kennedy el más simpático de sus discípulos.

El graduado -(Mike Nichols-1967).

 El graduado mostraba a la familia media-alta americana de puertas para dentro: divorcio, adulterio, alcoholismo... situaciones políticamente incorrectas durante la América de Jonhson.

 Por ello, aunque ahora parezca un poco desfasada, impactó como un obús en los cerebros más beatos de la América profunda. American Beauty se inspiró sin duda en el clásico, para convertirse en su revisión noventera.

Las sandalias del pescador -(Michael Anderson-1968).

La primera parte de “Las sandalias del pescador” es un completo documental de lo que ocurre en el Vaticano durante esos momentos de incertidumbre.

No obstante, el hecho de que un cardenal sea Papa no lo pone a salvo de sus bajas pasiones ni mucho menos lo libera de ser pecador.

El guateque -(Blake Edwards-1968).

 A día de hoy sería imposible que un actor inglés con la cara pintada de betún fuera el encargado de dar vida al protagonista pero en 1968 no suponía ningún problema, además la película no se basa en clichés racistas sino que tiene en su protagonista al personaje más adorable de la misma, alguien capaz de que le explote la vejiga antes que desilusionar a la chica que le gusta o capaz de mirar con cara impasible cómo un rollo entero de papel higiénico se malgasta sin mover un músculo.

 Puntos extra para una de las introducciones más divertidas de todos los tiempos, sobre todo si no sabes que estás viendo una comedia…

El planeta de los simios -(Franklin J. Schaffner-1968).

Todo un clásico de la Ciencia-Ficción que, a pesar de haber trascendido como una película "intelectual" sobre la condición del hombre, no es sino una entretenidísima película de aventuras con uno de los finales más comentados de la historia del cine

Dos hombres y un destino -(George Roy Hill-1968).

La película que creó a uno de los dúos más carismáticos y gamberros de todo Hollywood: Paul Newman y Robert Redford.

 Un western de gatillo fácil, merecedor de 4 Óscars, que lleva la firma del gran George Roy Hill, quien volvería a juntarse con esta legendaria dupla en "El Golpe". 

A modo de curiosidad, el célebre escritor William Goldman ("La princesa prometida") no subió a recoger la estatuilla al mejor guion original. 

La semilla del diablo -(Roman Polanski-1968).

La primera película americana de Polanski es una obra maestra del terror psicológico con John Cassavetes y Mia Farrow como protagonistas, pero con unos secundarios extraordinarios (Ruth Gordon ganó el Oscar por su papel de Minnie Castevet).

 Sin grandes artificios ni efectos, consigue tener al espectador con los pelos de punta y sufriendo por la vulnerable protagonista.

2001 Una odisea del espacio -(Stanley Kubrick-1968).

 Las reacciones que despertó '2001, una odisea en el espacio' tras su estreno no son nada comparadas con las toneladas de análisis que se han elaborado desde entonces. 

Y eso es así porque es una obra fascinante, misteriosa, ambiciosa y brillante que merece nuestra más precisa atención.

Grupo salvaje -(Sam Peckinpah-1969).

Lejos de presentarnos a los típicos personajes cargados de moral y de sentimiento patriótico que hemos visto en numerosos westerns, los héroes peckinpahnianos son verdaderos fuera de la ley. 

No dudan en sacrificar la vida de inocentes para lograr sus objetivos, puteros y alcohólicos.

Danzad, danzad, malditos -(Sydney Pollack-1969).

Filme dirigido por Sidney Pollack basado en la novela ¿Acaso no Matan a los Caballos) (mismo título original que el del filme) de Horace McCoy, es una crítica social que habla mucho de la condición humana donde los personajes evolucionan e involucionan en el apocalipsis degradante en el que se embarcan y que a veces da auténtico pavor y pone los pelos de punta.

El filme fue nominado a nueve premios Oscar, entre ellos Mejor Actriz (para Fonda), Director, Edición o Actriz Secundaria (para York) y llevándose Gig Young uno a Mejor Actor Secundario, manteniendo el récord hoy en día de más nominaciones sin incluir la de Mejor Película.

Cowboy de medianoche -(John Schlesinger-1969).

La historia de clasificación X, ganadora del Óscar, sobre cómo era la vida en la sórdida Nueva York de Voight y Hoffman. 

Captura eso con el estilo típico del cine de autor estadounidense, junto con el espíritu sombrío de una "película de colegas", las actuaciones son absolutamente sólidas.

Fuentes:

Cine Prime

Filmin

Fotogramas

Esculpiendo el tiempo

Me gusta el cine

Miradas de cine

Linterna Mágica